PRODUZIONE PROPRIA
Giuseppe De Mattia
Opening October 11 – h: 18.30 – 21.00
On view: October 12 – November 15, 2022
Molti artisti producono in proprio in un tempo in cui i concetti classici di proprietà e di autorialità sono investiti da logiche di profilo, di anonimato e di community. Da questa posizione coscientemente scomoda ci si può esprimere liberamente, volgarmente.
Ladri di piastrelle
Nel lavoro installativo e performativo Nunca fui turista em Lisboa! Giuseppe De Mattia traduce in galleria il commercio illegale degli azulejos, ceramiche smaltate di derivazione araba che abbelliscono le pareti di molte città iberiche, componendo motivi figurativi, astratti e geometrici. I ladri di azulejos rimuovono di nascosto le piastrelle, per venderle ai turisti come souvenir, dando vita a un mercato nero che sostiene intere famiglie attraverso l’esfoliazione delle proprie città. Anche le 300 piastrelle installate sui muri di OPR Gallery sono destinate a essere rimosse e quindi acquistate singolarmente dal pubblico della mostra al prezzo modico di un ricordo. Le piastrelle dei De Mattia sono una particolare interpretazione del modello quadrato più diffuso. Tutte insieme compongono un decoroso motivo floreale. Ma prese una ad una rivelano la stilizzazione di un membro maschile. Il parallelismo tra mercato nero e galleria palesa come Giuseppe De Mattia metta in mostra i meccanismi dell’arte per riferirsi a narrative economiche e sociali più ampie quali, ad esempio, la speculazione immobiliare che affligge alcuni luoghi e il ruolo dell’individualità nella gestione del bene comune. La falsa testimonianza di un ladro di azulejos, che De Mattia presenta in forma audio, è incentrata infatti sull’autolegittimizzazione del delinquente che, come ogni buon artista, trova dentro di sé le ragioni del proprio fare. Al termine delle operazioni è quindi importante non farsi ingannare dall’entusiasmo degli scambi. Guardare bene a cosa resta nelle mani di ciascuno.
Ingegno di Mola
Non è la prima volta che Giuseppe De Mattia utilizza pratiche e dispositivi propri del commercio di strada o di piazza, facendo anche ironia sulla necessità dell’artista di vendere per campare. In Ingegno e indipendenza (That’s It, MAMbo, Bologna, 2018) raccoglie 7 performance incentrate sugli scambi clandestini. In Esposizione di frutta e verdura (Materia, Roma, 2019. A cura di Vasco Forconi) trasforma lo spazio espositivo in un negozio utilizzando un grande espositore per frutta e verdura vera e finta. Su questa linea si colloca quindi anche la serie Ingegno di Mola, che rielabora la pratica illegale, diffusa al sud, di allestire una sedia vicino alla porta di casa con esempi di prodotti in vendita nell’abitazione privata. Per la serie fotografica in bianco e nero ai sali d’argento, De Mattia scatta in loco, ritraendo sedie/display reali del paese di Noha, in Salento. Un fondale abbozzato con un telo bianco finge però una riproduzione in studio, astraendo l’oggetto dal tessuto urbano e dando alla rappresentazione un valore idealizzato. Nella scultura, invece, De Mattia sostituisce la sedia salentina a quella costruita seguendo le istruzioni dettate negli anni ‘70 dal designer Enzo Mari, che vedeva nell’autoprogettazione una via di fuga alle logiche del capitalismo. Su questa sedia storicizzata però, il cibo è diventato finto e il prezioso oro giallo, l’olio, è mediato da una fotografia in bianco e nero.
Piccola storia ignobile che gli tocca raccontare
Giuseppe De Mattia utilizza linguaggi e dispositivi storici e tradizionali in modo inatteso. Nella formalità del classico cala il racconto di episodi trascurabili o marginali, aggirando il dominio narrativo dei massimi sistemi per denunciare sottobanco economie e moralità di segno diverso. Una lista di valori e comportamenti, sovente edulcorata dal racconto artistico del presente, domanda critica e attenzione. Espedienti, ruberie, piccoli illeciti, inganni, mezzucci e sotterfugi descrivono connivenze storiche tra l’uomo, l’immagine e il paesaggio. La rappresentazione dell’arte come oggetto metaforico, sociale e antropologico è il valore attorno a cui tutto l’universo di De Mattia trova ragion d’essere. La maschera fischiante in terracotta Testa di Gianni, Fischia! racconta di quella volta in cui Giuseppe De Mattia pagò l’amico artista Gianni D’Urso per fischiare a comando e documenta che Gianni accettò. Il lavoro evoca la tradizione pugliese di tradurre in un fischietto di terracotta scene di costume e personaggi reali. Il suono che attraversa la testa di Gianni rende la memoria sempre presente e attuale. L’intera mostra si fonde in un’unica scena di genere, da Bari a Lisbona, attraversata da un soffio di vitalità che richiama il pubblico a partecipare alla festa (o alla mattanza) del mondo-immagine.
Senape all’ancienne
“Coloro che non hanno conosciuto l’Ancien régime non potranno mai sapere cos’era la dolcezza della vita”. Il principe duca Talleyrand, tra i maggiori esponenti del camaleontismo politico, nutrì così le voglie reazionarie dei francesi, manipolando il passato in forma di un memorabile paradiso perduto. Come il potente Talleyrand, De Mattia offre del sé artista un’immagine adatta per tutte le stagioni. Da una parte è capace di assecondare i gusti retroraffinati dei colti (un dollaro annerisce le pupille al battere della cassa). Dall’altra è agile nel muoversi, candida, nei poveri sottoboschi delle scene indipendenti.
Per essere artisti, si direbbe, bisogna esser capaci di inventarsene almeno uno (di artisti). E di portarlo in scena. Giuseppe De Mattia è uno elegante, antimagico e tragicomicamente realista. Un tipo che, con ordine e metodo da archivista del folklore, costruisce credibilità simbolica allo scopo di rivelarne la falsità, seminando il dubbio sulle convinzioni genuine di popoli occidentali bianchi etero cisgender antico regime e scoprendo la loro paura di prenderlo o, ancor peggio, di non riuscire a metterlo.
Gabriele Tosi
Storia breve di una mostra mai esistita ma che é esistita in un’altra maniera e che poi forse ri-esisterá. Ma soprattutto storia di una storia (d’amore) struggente.
Mi spiego, o forse no.
Con Giuseppe abbiamo un condiviso amore passionato, travagliato, tormentato e soprattutto eterno per la musa ispiratrice di questa installazione, che é appunto la capitale lusitana, Lisbona. Una città strana, in un paese con questa particolare dualità storico-temporale, glorioso prima e rilegato ai confini dei libri di storia poi. Da illustre centro del mondo durante il periodo fino a poco tempo fa denominato “delle scoperte” – e che oggi fortunatamente viene chiamato barbaro imperialismo – ad agente storico quasi inesistente, se non come luogo d’incontro dei vari 007 fra guerre mondiali e fredde. Durante gli anni ’70 il Portogallo é ritornato a far parlare di sé, liberandosi di una rancida dittatura e di anacronistiche guerre coloniali ma rimanendo comunque un paese molto povero (e malinconico), ma vero, genuino, autentico. Con molta fatica ha provato a tenere il passo dei vicini, nonostante la strada lunga, ed in salita, da fare e la batosta della crisi dei primi anni 2000 per diventare oggi il place to be, (s)venduto da agenzie turistiche ed immobiliari, identificata con slogan che includono sempre sole, mare, surf, gente simpatica e bionda.
E Lisbona, la sua capitale magica, la città delle spie e della luce luminosissima, ha sempre avuto su di sé diversi passaggi e paesaggi di persone, culture, storie che ne hanno modellato l’essenza, rubandosene in qualche modo anche delle parti. Come ad esempio il lavoro-metafora di Giuseppe, composto da un audio e una parete di azulejos, le maioliche in ceramica che adornano i palazzi della città, e che ne sono di fatto il simbolo, spesso abbandonati in seguito alla crisi, alla povertà e a innumerevoli regolamentazioni immobiliari farlocche. Gli azulejos sono anche i primi souvenir esistiti della capitale, venduti da personaggi solitamente poco raccomandabili – non possiamo dimenticarci che fino a pochi anni fa Lisbona era nota per essere uno dei centri nevralgici del consumo e del commercio dell’eroina, del crack, della cocaina e fondamentalmente di qualsiasi altra cosa che potesse stupefare. Queste piastrelle, le “squame” della “pelle” della città, venivano staccate durante la notte dai ladrões che, dopo averli puliti con cura – ma nemmeno troppa – aiutati da un’apposita spazzoletta, a volte simile a quella usata dagli archeologhi, ma spesso un semplice spazzolino, li sciacquavano per poi metterli ad asciugare al sole. Una volta finita l’operazione, gli azulejos ripuliti erano venduti ai turisti per strada, preferibilmente in fierucole di oggettistica rubata, come la Feira da Ladra di Graça.
Oggi i venditori – quelli veri – di azulejos – quelli veri – sono rarissimi, così come sono rarissimi i palazzi malinconicamente abbandonati o semi distrutti, mentre le piastrelle si sono moltiplicate, su edifici rimodellati, ristrutturati, casa adesso di hotel di lusso in stile retró, case boho-chic e McDonalds hipsterati, o addirittura in vendita in negozi di souvenir, occultando precariamente la scritta Made in China. Lisbona oggi ha una nuova pelle scintillante, ma questa epidermide é una pelle finta, rifatta, prodotto di bolle: speculativa, immobiliare, delle startup. Come dice la voce rassegnata nell’audio di Giuseppe, Lisbona dal vendere la pelle sta vendendo anche le ossa, quindi porta inevitabilmente a domandarsi, cosa rimarrà da vendere poi?
Ma l’installazione di Giuseppe non é assolutamente una critica alla capitale portoghese, e probabilmente non é neanche un’osservazione acida sulla gentrificazione. Prendiamo questo lavoro come un’ode malinconica alla stessa malinconia appunto tipica di questa città, ad un odi et amo profondo per questa vecchia decadente Lei che anche se rifatta, fintamente scintillante, sotto sotto é ancora la luce accecante di prima mattina, l’odore inebriante di sardine e il luogo dell’incontro di magie, persone, anime, del tempo sospeso e degli allineamenti cosmici. Giuseppe prova quindi a portare queste squame della “sua” Lisbona, permettendo anche ai visitatori di portarsi a casa un pezzo della città dove appunto l’artista, a differenza delle orde odierne dei digital nomad, ha sempre provato, perché sentito di, ad appartenerci, a non essere appunto mai un turista. La critica in questo caso è forse alla rapidità del mondo odierno che contrasta con quei modi di vivere lenti e ovattati che fanno parte di storie passate, incantante, magiche. Un contrasto che diventa lampante in una città come quella di Lisbona che ancora tenta di adattarsi a questo ritmo, ma che al tempo stessa ne é stata mangiata, e nell’azulejo (quello originale) c’é tutta l’essenza sublimata di questa infelice necessità di adattarsi, rincorrere il nuovo facendosi mangiare, ma al tempo stesso in qualche modo convivere con una presenza ed un attaccamento al passato in maniera viscerale.
La storia breve é che in realtà quest’opera era stata pensata per essere presentata, in versione più ampia, in uno spazio della capitale portoghese, ma dopo varie vicissitudini é stato trovato più appropriato il presentarla inizialmente qui, oggi. Portare a Milano souvenir di un luogo che oggi stentiamo a riconoscere, che ci sfida ma che al tempo stresso entrambi sappiamo essere Casa – almeno del cuore.
Orsola Vannocci Bonsi
Giuseppe De Mattia (Bari, 1980) è un artista che utilizza diversi strumenti per indagare sul rapporto tra memoria, archivio e contemporaneità. Comincia con la fotografia per poi spostarsi al video e all’audio fino ad arrivare al disegno nelle ultime opere. Per i suoi lavori, che prendono sempre forme installative diverse, utilizza supporti e strumenti (spesso auto-costruiti) che possano compiere narrazioni. Da attento osservatore del panorama artistico contemporaneo, il lavoro di De Mattia tocca spesso temi strutturali legati all’economia di beni di consumo di base e arte contemporanea e più in generale alla relazione con il mestiere dell’artista, articolati attraverso un dialogo tra ironia, satira e struggente critica. Lavora da solo o in collettivi come Coclite/De Mattia e Casa a Mare (con Luca Coclite e Claudio Musso). Collabora con Home Movies – Archivio Nazionale del film di Famiglia e ha collaborato con la Cineteca di Bologna. È rappresentato dalla galleria Matèria di Roma, da Labs Contemporary Art di Bologna e OPR Gallery di Milano. Pubblica con Corraini Edizioni, Danilo Montanari Editore e Skinnerboox. Dal 2015 ha avviato un progetto editoriale di auto-pubblicazione con il nome di L.T – Libri Tasso e nel 2020 ha fondato Marktstudio, un contenitore di progetti artistici all’interno di una bottega di cornici a Bologna. Giuseppe De Mattia attualmente vive e lavora tra Bologna e Noha (Le)
Many artists produce on their own at a time when the classical concepts of ownership and authorship are invested by the logic of profile, anonymity and community. From this consciously uncomfortable position, one can express oneself freely, vulgarly.
Ladri di piastrelle
In the installation and performance work Nunca fui turista em Lisboa! Giuseppe De Mattia translates the illegal trade in azulejos, glazed ceramics of Arab origin that adorn the walls of many Iberian cities, composing figurative, abstract and geometric motifs into a gallery space. Azulejos thieves secretly remove the tiles to sell them to tourists as souvenirs, creating a black market that supports entire families by exfoliating their cities. Likewise, the 300 tiles installed on the walls of OPR Gallery are destined to be removed and then purchased individually by the exhibition audience for the modest price of a souvenir. The De Mattia’s tiles are a particular interpretation of the most popular square shape. All together they make up a decorative floral pattern. But taken one by one they reveal the stylisation of a male member. The parallelism between black market and gallery reveals how the artist showcases the mechanisms of art to refer to broader economic and social narratives such as the real estate speculation that plagues some places and the role of individuality in the management of common goods. The false testimony of a thief of azulejos, which Giuseppe De Mattia presents in audio form, is in fact centred on the self-legitimisation of the delinquent who, like any good artist, finds within himself the reasons for his actions. At the end of the operations, it is therefore important not to be fooled by the enthusiasm of the exchanges. Take a good look at what remains in each person’s hands.
Ingegno di Mola
This is not the first time that De Mattia has used practices and devices typical of street trading, also making irony out of the artist’s need to sell in order to make a living. In Ingenuity and Independence (That’s It, MAMbo, Bologna, 2018) he collects 7 performances focused on clandestine exchanges. In Esposizione di frutta e verdura (Materia, Rome, 2019. Curated by Vasco Forconi) he transforms the exhibition space into a shop by using a large display for real and fake fruits and vegetables. Ingegno di Mola series is also along these lines, which reworks the illegal practice, widespread in the South, of setting up a chair near the front door with examples of products for sale in the private home. For the black and white silver salts photographic series, Giuseppe De Mattia shoots on location, portraying real chairs/displays from the village of Noha, in Salento. A backdrop sketched with a white cloth, however, pretends a studio reproduction, abstracting the object from the urban fabric and giving the representation an idealised value. In the sculpture, on the other hand, the artists substitutes the Salento chair for one built following the instructions dictated in the 1970s by the designer Enzo Mari, who saw in self-design an escape route from the logic of capitalism. On this historicised chair, however, food has become fake and the precious yellow gold, oil, is mediated by a black and white photograph.
Piccola storia ignobile che gli tocca raccontare
De Mattia uses historical and traditional languages and devices in an unexpected way. In the formality of the classic, he drops the tale of negligible or marginal episodes, circumventing the narrative domain of maximum systems to denounce underhand economies and moralities of a different kind. A list of values and behaviour, often sweetened by the artistic narrative of the present, demands criticism and attention. Gimmicks, thievery, petty malfeasance, deceit and subterfuge describe historical connivances between man, image and landscape. The representation of art as a metaphorical, social and anthropological object is the value around which the entire Giuseppe De Mattia universe finds its raison d’être. The terracotta whistling mask Testa di Gianni, Fischia! tells of the time when De Mattia paid his artist friend Gianni D’Urso to whistle on command and documents the acceptance. The work evokes the Apulian tradition of translating costume scenes and real characters into a terracotta whistle. The sound that goes through Gianni’s head makes the memory ever present and relevant. The entire exhibition merges into a single genre scene, from Bari to Lisbon, traversed by a breath of vitality that calls the audience to participate in the feast (or slaughter) of the worldimage. Mustard all’ancienne “Those who have not known the Ancien régime can never know what the sweetness of life was”. PrinceDuke Talleyrand, one of the greatest exponents of political chameleonism, thus fed the reactionary cravings of the French, manipulating the past in the form of a memorable lost paradise. Like the mighty Talleyrand, De Mattia offers an image of the artist self that is suitable for all seasons. On the one hand, he is capable of pandering to the retro-refined tastes of the cultured (a dollar blackens the pupils at the clap of the cash register). On the other it is nimble in moving, candidly, in the poor undergrowths of the independent scenes. To be an artist, one might say, one must be able to invent at least one (of artists). And to bring it to the stage. Giuseppe De Mattia is an elegant, anti-magic and tragicomically realistic one. A guy who, with the order and method of an archivist of folklore, builds symbolic credibility in order to reveal its falsehood, sowing doubt on the genuine beliefs of white hetero cisgender Westerners and discovering their fear of taking it or, even worse, of not being able to put it on. Gabriele Tosi
Gabriele Tosi
Short story of an exhibition that never existed although existed in another way and then perhaps will reexist. But above all, the story of a poignant (love) story.
Am I explaining myself, or perhaps not.
With Giuseppe, we share a passionate, tormented and above all eternal love for the muse of this installation, which is precisely the Lusitanian capital, Lisbon. A strange city, in a country with this particular historical-temporal duality, first glorious it was later relegated to the confines of the history books. From illustrious centre of the world until recently called ‘of the discoveries’ — and which today is fortunately called barbaric imperialism — to an almost non-existent historical agent, except as a meeting place for the various 007s between world wars and cold wars. During the 1970s, Portugal made a comeback, freeing itself from a rancid dictatorship and anachronistic colonial wars, but still remaining a very poor (and melancholic), but true, genuine, and authentic country. With a lot of effort it has tried to keep up with its neighbours, despite the long, uphill road to travel and the beating of the crisis in the early 2000s, to become today the place to be, sold (often cheaply) by tourist and real estate agencies, identified with slogans that always include sun, sea, surf, nice people and blondes.
And Lisbon, its magical capital, the city of spies and bright light, has always had various passages and landscapes of people, cultures, histories that have moulded its essence, somehow stealing parts of it. Like, for example, Giuseppe’s work-metaphor, composed of an audio and a wall of azulejos, the ceramic majolica tiles that adorn the city’s buildings, and that are in fact its symbol, often abandoned as a result of the crisis, poverty and countless sham property regulations. Azulejos are also the capital’s earliest existing souvenirs, sold by usually unsavoury characters — we cannot forget that until a few years ago Lisbon was known to be one of the nerve centres of the consumption and trade of heroin, crack, cocaine and basically anything else that could stupefy. These tiles, the ‘scales’ of the city’s ‘skin’, were peeled off during the night by the ladrões who, after cleaning them carefully — but not too carefully — aided by a special brush, sometimes similar to the one used by archaeologists, but often a simple toothbrush, rinsed them off and then put them to dry in the sun. Once the operation was over, the cleaned azulejos were sold to tourists on the street, preferably at fairs of stolen objects, such as the Feira da Ladra in Graça.
Today, azulejos sellers — the real ones — are very rare, just as melancholically abandoned or half-destroyed buildings are very rare, while tiles have multiplied, on remodelled, renovated buildings, now home to retrostyle luxury hotels, boho-chic houses and hipster McDonalds, or even for sale in souvenir shops, precariously concealing the Made in China sign. Lisbon today has a shiny new skin, but this epidermis is a fake, remade skin, a product of bubbles: speculative, real estate, start-ups. As the resigned voice in Giuseppe’s audio says, Lisbon from selling the skin is also selling the bones, so it inevitably leads one to wonder, what will be left to sell then?
But Giuseppe’s installation is in no way a criticism of the Portuguese capital, and probably not a sour comment on gentrification either. Let us take this work as a melancholic ode to the same melancholy that is so typical of this city, to a profound odi et amo for this old decadent Her that even if remade, faux-gleaming, underneath there is still the blinding light of early morning, the intoxicating smell of sardines and the meeting place of magic, people, souls, suspended time and cosmic alignments. Giuseppe therefore tries to bring these scales of ‘his’ Lisbon, allowing visitors to take home a piece of the city where precisely the artist, unlike today’s hordes of digital nomads, has always tried, because he felt like, to belong, to never be a tourist. The criticism in this case is perhaps to the speed of today’s world, which contrasts with those slow and muffled ways of living that are part of past, enchanting, magical stories. A contrast that becomes blatant in a city like Lisbon that still tries to adapt to this rhythm, but at the same time has been eaten up by it, and in the azulejo (the original ones) there is all the sublimated essence of this unhappy need to adapt, to chase the new by being eaten up, but at the same time somehow living with a visceral presence and attachment to the past.
The short story is that this work was actually intended to be presented, in a larger version, in a space in the Portuguese capital, but after various vicissitudes it was found more appropriate to present it initially here, today. To bring to Milan a souvenir of a place that we struggle to recognise today, that challenges us but at the same time we both know is Home — at least of the heart.
Orsola Vannocci Bonsi
Giuseppe De Mattia (Bari, 1980) is an artist who employs a dialogue of mediums to investigate the relationship between memory and contemporaneity. Photography, video, sound, drawing and painting can all be found and often blend within his work. As a keen observer of the contemporary artistic landscape, De Mattia’s work often touches upon structural issues tied to the economy of the arts, articulated through a dialogue between irony, satire and poignant critique. Alongside his personal practice, De Mattia collaborates with the collective Coclite/De Mattia and Casa a Mare (with Luca Coclite and Claudio Musso). He currently works with the Bologna film library and Home Movies – The national family film archive. He is represented by Matèria in Rome, Labs Contemporary Art in Bologna and OPR Gallery in Milan. He publishes his books with Corraini Editore, Danilo Montanari and Skinnerboox. In 2015 he launches ‘Libri Tasso’ an independent artist book self-publishing project and in 2020 he founded Marktstudio, a container of artistic projects inside a frame shop in Bologna. Giuseppe De Mattia currently lives and works between Bologna and Noha (Le).
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